重庆2018年下半年中小教师招聘笔试题库——中学教师招聘（知识点3）

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中学教师招聘：美术老师教师招聘考试

　　第一章 美术学习需要设计思维的辅助

　　在整个艺术学科中，有美术学科也有设计学科，总的来说美术学科和设计学科的发展是相辅相成的。美术学科偏向感性，设计学科偏向理性。

　　本文中的设计思维是一种学习方法，也可以说是一种记忆方法，在学习美术理论、美术绘画的过程中我们会遇到记不住、画不好的现象，这种现象将出现在我们整个艺术探索过程当中。总之，为了更好的学习、记忆、系统掌握美术相关知识，那么，恰当的、合理的使用设计思维至关重要。

　　具体的设计思维是怎样的?设计思维是如何体现在我们的美术学科当中的?

　　具体的设计思维包括一堂理论课的讲解设计、一幅素描画的整体构图设计、一个典型艺术品的整体造型设计等等。我们每个人的思维方式不一样，所以呈现出来的设计效果也是不一样的，因此就会出现正序讲解、倒叙讲解、横构图、竖构图、一角构图、偏圆造型、偏方造型等不同形式。

　　在美术学习过程当中我们要应用设计思维，为每一个学习环节、每一章的知识点设计一套适合自己的记忆方法。例如：中国美术史当中我们要先用时间顺序记忆一遍(先秦、秦汉、魏晋南北朝、隋唐、五代、宋元明清、近现代)，这是一个纵向的设计路线。我们还可以用横向的思维来学习，比如：中国美术史当中的所有花鸟画、人物画、山水画、雕塑等等，横向来探索它们的各时期的艺术特征。

　　当然这些还不够，美术史当中不管是中国还是外国都会出现大量的人物和作品，我们在记忆的过程中通常是困难的，这时就需要系统的设计这些作者和作品，将其对应在美术史的各个时期，比如：南派画家、北派画家、意大利画家、法国画家等，我们可以将不同时期的作者以及作品横向总结出来。这样我们就可以全面的了解掌握各时期的美术发展状况和美术人物、作品的特色。设计思维对于绘画创作也具有十分重要的意义，从西方美术大师达芬奇的绘画作品中可以看到，设计透视学(一点透视最后的晚餐)、画面人物安排等设计理念在创作当中的应用。中国美术史中诗书画印的呈现，诗文、印章在绘画中的位置呈现都体现了我国绘画家、理论家浓厚的设计思维。每一个印章位置、每一种字体选择、每一个诗文长短都需要精心设计。这种具有美感的设计思维的呈现，需要我们平时的绘画积累。在平时的绘画过程中多多留意，终将形成自己独特的设计思维。

　　设计思维其实在我们学习工作的过程中无处不在，有时候表现的明显，有时候表现的隐晦，这种思维需要我们有意识的去发现。有时候大家会认为设计思维就是逻辑思维，其实它们有很大的区别，美术学科中的设计思维是感性和理性的统一，逻辑思维更多的偏向理性的成分。我们在学习美术相关知识的时候需要感性的理解，同时也需要理性的记忆。简单的问题需要简单的设计思维，复杂的问题需要繁琐的设计思维，那么，简单到复杂是一个过程，设计思维的形成也是一个上下求索的过程。

　　艺术成就越高，设计思维就会越明显，不言而喻，每个人都有自己的独特设计思维，只不过有些人发现了自己的这种思维，有些人还在探索。探索良好正确的设计思维需要系统的训练，我们可以刻意培养自己，也可以借助大师现已形成的设计思维来进行艺术创作，这是一个殊途同归的过程。

　　不管什么形式的设计思维都需要我们去尝试、去应用，在以后的学习过程中多思考就有可能形成自己的美学设计思维。形成这种思维之后，我们将会在学习美术的过程中事半功倍，到达意想不到的效果。

　　第二章 结合中国画以及莫兰迪绘画谈技能考核

　　与我们密不可分的，每天都要见到的，自然是家中的那一堆静物了。坐在家里，面对着眼前的长排窗户，感觉到一粒粒尘埃随风飘落，窗台上的一景一物，蓦然间将无数的回忆推入我的脑海。联想到西方的静物画，觉得这样的长幅构图运用到中国画中，以西方之“型”与中国画之“意”，将静物中的故事一丝丝展现开来，可以给人以舒适的延展性视觉效果。

　　本文将通过对莫兰迪静物画构图的分析及他作品的艺术价值，来谈一下自己创作的过程及感受。

　　意大利画家莫兰迪的静物画多采用这种平视角度，而选取的题材也是生活中很常见的各种静物，例如瓶子、茶壶等，他可以通过对各种瓶子、盘子的重新组合，从而达到一种平衡。与他内心的平和与快乐相呼应。这与中国文人画的立意很相近。不单纯是描绘物象，还通过对物象的表达来抒发胸中逸气，与中国画立意不谋而合。

　　无论是中方还是西方，构图在艺术中都很重要，都具有其独特的魅力。西方艺术家们往往会选择一个自己认为最佳的位置，然后面对场景写生，真实地描绘现实生活。他们遵从透视法则，科学的观察事物，画面从固定的视点出发，具有很强的空间关系、立体关系。而中国画并不受这些限制，中国画从一开始就并非一定要写实的，中国文人游历山川，默记于心，积累大量的素材，根据自己的感受进行描绘构图，所以，所受客观条件的限制较少。中国画的构图则有多个视点，作画中可以根据画面的需要对物象进行调整、重组，从而增强艺术的表现力和感染力。比如山可以画的更高，水可以画的更远，树可以画的更多。因此，借鉴一些西方绘画元素来运用到自己的创作中还是很有意义的。这样可以联系到在考试过程当中我们常见的静物绘画的考核当中。

　　在中国画中,所谓的构图即章法，谢赫的“六法论”中叫做“经营位置”。一幅作品的构图在整个画面中占有非常重要的位置。中国山水画使用长卷构图的很多，例如《潇湘图》《夏山图》《富春山居图》，这种长卷构图给人看不完的意象。而西方在画静物的画家中，这种平视角度很常见。

　　通过我对莫兰迪的静物绘画的总结，我得出以下几点构成要素：

　　莫兰迪的静物画多采用水平排列的构图形式。这种构图形成的节奏和韵律会给人一种安静、平和的感觉，很符合莫兰迪的心境。他的每一张作品都经过了深思熟虑，构图看起来类似，实则却又有着不同。

　　构图中的图形意识。他的大部分构图都具有同一性，但细细研究会发现其中不尽相同之处。莫兰迪善于运用各种图形组织一幅画。然而，这些图形是进行了排列组合的，才能使画面产生一种连贯的韵律感。

　　在构图方面莫兰迪继承了塞尚几何化样式的画面构成，一些看似相同而又不尽相同的几何元素构成了他画面中主要因素，看起来安排紧密又规矩的特点，给欣赏者带来坚不可摧、无懈可击的视觉冲击力，达到了抽象与具象之间的统一。

　　莫兰迪的作品以静物画为主，他很注重对画面里这些物体的表现，并对这些物体进行反复地描绘，通过自己的主观感受和思考，从而表现自己心中的逸气。这些重叠的物体经过变形，重组，在一般中可以寻求到特殊。

　　莫兰迪画静物正如同中国的文人画家，他们不追求写实，而是通过对物象的表现，来体现出自己的精神世界。出色的艺术家善于探索这些东西，他们可以通过自己的画面感受，给死物赋予感情，赋予生命，而莫兰迪就是这样的画家。

　　在参加考核作品创作之初，对整体的概念尚未明确，在整体的节奏把控上没有完整构思，其思想中整体构图的空间思维感是有了，但是在起稿子后却发现好多问题，感觉很空没有内容，画面构图节奏感不够，考卷效果不是很舒适。具体物体的组合形状没有什么特色，整体效果并不是很理想。甚至于到后来面对画面创新有些迷茫和怀疑，导致又陷入很恐慌的状态，甚至在不知不觉就去想面面俱到，去进一步抠细节，像初学中国传统工笔画那样仔细认真的去刻画某一个细节了。面对这样的情况，既要获得高分又要有一个清晰的思路，需要勤加练习和训练。

　　第三章 5分钟了解油画民族化的历程

　　油画作为西方艺术，进入中国不过百余年的历史，时至今日，油画的民族化仍然是个重要议题。笼统地说，油画的民族化就是将中国艺术与西方艺术进行“中西融合”，进一步探析，则是在油画作品中体现出民族精神和民族内涵。回顾油画艺术在中国的发展历程，正是艺术家们进行民族化探索的历程。

　　一、油画在中国的起步

　　明朝万历年间，意大利传教士罗明坚将油画带入中国，不久后利玛窦献给明神宗的油画作品，引起了中国画家的极大震惊。但当时油画在中国尚未取得C位出道的机会，直到清朝才开始有传教士在皇宫中任职画师，如为后人所熟知的——郎世宁。

　　鸦片战争后，油画在中国进一步发展，逐渐从上层社会的小圈子扩散到社会的中下层，至清末民初，出现了周湘、徐咏青等真正意义上的油画家，他们跟随传教士学会了油画技法后，自己创办了美术学校教授油画，和当时官办的美术学院一同为油画艺术在中国的民族化进程奠定了基础。

　　二、“油画民族化”的提出

　　虽然“油画民族化”的概念在19世纪五六十年代才被清晰地讨论，但早在20年代，就已经出现了油画民族化的思潮。

　　1922年，汪亚尘提出了民族性在中西方绘画融合中的差异，次年，刘海粟在《石涛与后期印象派》一文中阐述了西方现代艺术与中国传统绘画在主观情感表达上的契合，进一步提出了融合中西方艺术的观点。具体来说，就是将西方现代绘画的“重表现”与中国传统绘画的“重写意”，在精神上有机地结合，在技法与构成上突出民族风格。

　　刘海粟之前的画家们在进行油画民族化的探索时，往往只停留在外在形式上的中西方艺术的结合，主要以西方绘画为本位，添加中国传统绘画的符号。而刘海粟另辟蹊径，以中国传统绘画为本位，从精神本质入手，修正了当时中国的油画家们对于西方绘画的认识以及民族虚无主义。

　　新中国成立后，我国在生产、学习等方面“全盘苏化”，美术教育也不例外地照搬苏联模式。在这样的背景下，美术界展开了关于“油画民族化”的第一次大讨论，在这次讨论后，中苏油画进一步融合，出现了董希文、王式廓等具有代表性的油画家。然而随之而来的十年“文革”严重阻碍了油画民族化的进程，直到改革开放后，这一议题才重新回归人们的视野，展开了“油画民族化”的第二次大讨论，涌现出罗中立、吴冠中等一大批优秀的油画艺术家，同时也出现了“乡土写实主义”“伤痕美术”等流派。

　　三、“油画民族化”的质疑与反思

　　在油画民族化的进程中，始终伴随着对“民族化”必要性的争议，虽然目前学术界的主流观点是赞成油画的民族化，但仍有质疑的声音：一是“油画民族化”的概念仍存在一些模糊不清的地方;二是缺乏参考，我们很难说清究竟怎样的作品才算是成功“民族化”了的作品，有趣的是，曾有一些被学术界扣上了“民族化”帽子的油画，却遭到了作者本人“打脸”，作者不认为自己在创作中进行了“民族化”加工，只是简单地表达了自己对于生活的感受。

　　因此，那些持反对态度的艺术家不认为“油画民族化”是有必要的，急于将油画民族化，还有可能会扭曲民族艺术和民族精神，使油画创作陷入跟风和模式化。而笔者认为，这种担心不是毫无道理的，但没有必要全盘推翻。“民族化”只是油画创作中的众多途径之一，应当将这条途径保留并继续探索，同时也允许其他创作途径的存在，才是保持文艺界百花齐放局面的不竭动力。

　　第四章 先秦美术-教师招聘美术备考知识点

　　夏(约公元前2070-约公元前1600年)约公元前2070年 禹建立夏朝

　　商(约公元前1600-公元前1046年)约公元前1600年 商汤灭夏，商朝建立

　　周 西周(公元前1046-公元前771年)公元前1046年 周武王灭商，西周开始

　　公元前771年 戌族攻入镐hào京，西周结束

　　东周(公元前770年-公元前256年)公元前770年 周平王迁都洛邑，东周开始

　　公元前256年 周赧王死，秦夺九鼎，东周覆亡

　　春秋(公元前770年-公元前476年)公元前476年 中国奴隶社会结束

　　战国(公元前475年-公元前221年)公元前356年 商鞅开始变法

　　公元前221年 秦始皇统一中国

　　先秦是历史上一个非常重要的时期，从社会发展中的角度看，夏、商和西周是奴隶社会阶段，经过春秋时期各国的改革，到了战国时期中原以及江淮流域相继进入封建社会阶段;从国家的政治构筑形态来看，它们又是同属于部落向帝国过渡的阶段。

　　夏、商两朝作为早期的奴隶制国家，还保留着若干原始社会的生活习俗和宗教信仰，特别是在商代，对自然力量和祖先的崇拜以及相关的巫术活动是社会意识形态的重要部分，反映在这时的各种造型艺术中，其风格大多神秘、奇诡。

　　西周建立以后，一些社会规范建立起来，“礼”成为社会活动的核心规则，这时的各种造型艺术便也成为统治阶层权力、地位的象征，并有教化社会的作用。

　　春秋以来，铁器的发明和使用极大地推动了生产力的发展。与此同时，社会各个阶层的欲望也开始膨胀，自周天子以下，从诸候到卿大夫家族，乃至卿大夫的家臣，几乎每一等级中的人们都被一种狂妄僭越的心理所鼓动，这时的造型艺术不复有神性的观念和严格的规范。为了满足穷奢极欲的官能享受，为了实现僭越、标榜权势和地位的目的，在军事、政治力量较量的同时，各国之间也展开了工艺制作、艺术创造的竞赛，各种奇技淫巧都受到鼓励。

　　这种时代性的趋向到了战国时期更加明显，随着物质财富的积累，艺术的物质媒材日益多样化、精致化。现实生活题材开始进入战国时期的各种品类样式之中。各种美术品的制作也越来越讲究，极尽华美，技术水平和艺术水平日益提高。

　　先秦美术以青铜器的艺术成就最为突出，故有青铜时代之称。

　　商代

　　《司母戊鼎》河南安阳出土。这是我国考古发现最大的一件青铜器，反映了我国古代铸造水平的高超。

　　《四羊方尊》湖南宁乡出土。是一件体现了奴隶主贵族意志的礼器。

　　西周

　　《毛公鼎》陕西扶风出土。

　　《虢季子白盘》宝鸡出土，造型硕大庄重，内有长篇铭文，是迄今已知最大的青铜盘。

　　春秋

　　《莲鹤方壶》河南新郑出土。

　　战国

　　《采桑宴乐攻战纹壶》四川成都出土。

　　《蟠虺纹铜尊盘》失蜡法的精品，湖北随州出土。

　　第五章 教师招聘考试美术学科专业知识点

　　美术门类

　　1.美术的主要特征

　　造型性(美术的基本手段，最主要的特征)，空间性，视觉性。静止性(通过一定的形象“暗示”一定的过程)，瞬间性(具有高度的凝聚性和典型性)，永固性。造型性和静止性起主导作用。

　　2.中国画

　　(1)文人画：

　　亦称“士夫画”，中国画的一种，泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画，以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画。带有文人情趣，流露着文人思想的中国传统绘画样式之一。文人画一般讲究“书卷气”，注重书法用笔，强调笔墨情趣，书写性的表现要求、追求气韵的审美标准以及超越视觉表象的文化精神，造就了文人画独特的艺术风貌。

　　(2)墨分五色：

　　中国画技法名。指以水调节墨色多层次的浓淡干湿。语出唐代张彦远《历代名画记》：“运墨而五色具。”“五色”说法不一，或指焦、浓、重、淡、清;或指浓、淡、干、湿、黑;也有加“白”，合称“六彩”的。其中“干”与“湿”是水分多少的比较;“浓”与“淡”是色度深浅的比较;“焦”，在色度上深于“浓”;“白”，指纸上的空白，二者形成对比。

　　(3)计白当黑：

　　作为书法用语提出来，见于清代邓石如：“字划疏处可使走马，密处不使透风，常计白以当黑，奇趣乃出。”凡作书，既要注意黑的部分——字形笔画的密(实)处，也要注意到字画间及行间之白的疏(虚)处。谓画面空白处亦不可不计，空白处也是内容所在。笔墨虽未到，而整体画面结构，黑白之间互相依存。就是中国画强调运用空白，对空白经营很用心，把它当有画的部位，同样费心思去考虑。在篆刻中也常使用这种方法使篆刻韵味十足。

　　(4)中国画的形制：

　　中国画的形制有多种，如中堂、条幅、横披、手卷、斗方、册页、扇面(又有折扇、团扇之分)等，在大小、长短、方圆不同的形制中合理安排表现的物象叫章法。

　　3.版画

　　版画的分类：按照国际目前界定标准，版画可以进行以下分类：

　　依据制版时采用的物性版材，版画可以分为木版画、铜版画、石版画、丝网版画以及其他版种(如石膏版画、纸版画、电脑版画等)。

　　依据印刷方式，则可分为凸印版画、凹印版画、平印版画、漏印版画。

　　依据使用色彩的多少来分，则有单色版画和套色版画。

　　依据印数多少可分为独幅版画和多幅版画。

　　第六章 美术学科中国雕塑发展知识点汇总

　　一、中国雕塑的发展阶段

　　中国雕塑发展一共分为了四个阶段：第一阶段为萌芽阶段是先秦时期，以青铜器物为代表。第二个阶段为成熟阶段是秦汉和魏晋南北朝时期。第三阶段为顶峰阶段是唐朝，以石窟造像石刻为代表。第四阶段为低潮阶段是以清代的小型案头雕刻为代表。

　　二、代表作品及考查题型

　　(一)萌芽阶段——先秦

　　先秦时期作品以《后母戊鼎》《四羊方尊》《毛公鼎》为代表。

　　《后母戊鼎》1939年河南安阳出土，是商王祖庚为母亲祭祀所做，因顶鼎腹内壁上铸有“后母戊”三字得名，它是迄今世界上出土最大、最重的青铜礼器，是我国镇国之宝。《四羊方尊》是商晚期的青铜礼器，1938年出土于湖南宁乡。它最大的特点是在尊的四角各塑一羊。《毛公鼎》西周晚期的青铜器，以作器者毛公而得名，毛公鼎上的铭文有499个字，记录了毛公治理国家的大小政务，周宣王表彰他勤工无私而为其铸造。毛公鼎是世界上铭文记载字数最多的一个青铜器。在考试中，通常以客观题的形式考察它们的出土朝代、出土地点、以及器物特点。

　　(二)成熟阶段——秦汉

　　分别以秦代的秦始皇兵马俑和西汉代的霍去病墓前石刻雕塑为典型的代表。秦始皇陵兵马俑和东汉的说唱俑。秦始皇兵马俑，被发现于1974年陕西临潼，目前发掘的一共有三个坑，1号坑是以战车和步兵混合编组的主体部队、2号坑是弩兵、战车、骑兵穿插组合的混合部队，3号坑是作战指挥中心。在1987年被联合国教科文组织批准列入“世界第八大奇迹”。秦始皇兵马俑以众多静止而直立的造型，形象写实逼真，有一种“致广大而尽精微”的特点。西汉的霍去病墓石刻，霍去病墓前石刻雕塑有“马踏匈奴”“伏虎”“跃马”等，它们塑造时没有过多的改变原石的造型，而是原石的造型上，取其意似，进行了简单改造，不做精雕细刻，借助了大理石的表面质感来突出西汉帝国朝气蓬勃的时代特征。这两个作品在考试的时候，通常以客观题的形式考察秦始皇兵马俑被发现和被列为“世界第八大奇迹”的时间。以简答题的形式考察兵马俑特点和循石造型。

　　(三)顶峰阶段——唐代

　　唐朝时期石窟造像和乐山大佛非常具有代表性，以龙门石窟的奉先寺卢舍那大佛为代表。一般以客观题的形式来考察雕塑的朝代。乐山大佛依山开凿，所以有“山是一座佛，佛是一座山”的美称。同样唐朝还有一些陵墓雕塑，例如昭陵六骏等。这一时期的雕塑通常是客观题的形式进行考察雕塑朝代和特点。

　　(四)低潮阶段——清代

　　清代案头雕刻，以天津“泥人张”张长林的雕塑为代表。分别有：《惜春作画》《渔樵问答》等。通常以客观题形式考察雕塑的朝代以及名称。